Guido de Boer from March 8th to April 4th,

Geometric Abstraction.

For its first exhibition dedicated to Gallery 54 Dunkerque.

Catalogue on request.

The work of Guido de Boer attracts attention because it fits within the geometric abstraction movement with rare intensity. His pieces are characterized by a minimalism that revolves around the contrast between squares and strokes in black and white. The pieces presented at this first exhibition dedicated to the artist are on paper, ranging from A3 to double-raisin size. What intrigues is his sketchbooks, where page after page, Guido uses grids to compose patterns of black tiles, each measuring 5 mm. Systematically, he fills the pages with infinite creativity and the need to create graphic syntheses between typography and abstraction. It should be noted that on certain large-format drawings, a centimeter grid is sketched in pencil, guiding the artist through winding trajectories where the goal is sometimes to connect the lines. At certain points, the junctions are impossible, thus concluding the work. Observing these drawings, one is drawn into visual games, sometimes hallucinatory, as the rhythm imposed between the nuances troubles our perception. At this stage, the artist communicates two things. Firstly, by stepping back from what we observe, we see neither black nor white, but gray. Secondly, despite the artist's desire to order the forms, chance often prevails over the overall composition. This expression conveys the highly personal message that Guido de Boer wishes to impart: not to rely on appearances, but to recognize that the essence of things has only appearance as a form of expression. Occasionally, from these compositions, alphabets and words emerge, always with the intention of saying little but committing with veracity. Thus, the piece titled "NO" is a large-format painting featuring two traces in black ink forming the word "NO". By purchasing this artwork, you support a cause, as 50% of your investment will be entirely donated to an activist organization of your choice, which will be mentioned in your certificate of authenticity. With each drawing executed in ink, Guido manages to create works that are both decorative and perfectly radical. His enticing and promising approach should appeal to enthusiasts of abstract and graphic art.

The artwork "NO" is a remarkably powerful political statement created by the Dutch artist Guido de Boer. In this typographic painting of two letters NO, the artist aims to express his opposition to the injustices of the world. For the acquisition of this unique piece, available in several similarly typographed copies, 50% of the artwork's amount, minus the commission of the online marketplace, will be donated to the association chosen by the buyer, and this will be indicated on your purchase certificate. For example, for a starting price of €500, X% will be donated to the website or auction house, 50% to the chosen association, and 50% to the artist.

About :

Guido (born 1988) is an independent visual artist with a background as a graphic designer. His work consists of images you can read and texts you can experience visually. His work is often large, monumental and handmade, making it expressive and at the same time graphic. Works by Guido have been shown at, among others, the Kröller-Müller Museum, the Stedelijk Museum Schiedam, the HEM and the GEM/Kunstmuseum. In addition to his artistic practice, Guido is a teacher at the Royal Academy of Art in The Hague.Complementing his artistic practice, Guido has been a teacher in the field of Letters and Typography at several art academies in the Netherlands since graduating in 2011, at the Nanjing University of the Arts, ELISAVA Barcelona, and, since 2016, has enjoyed teaching at the Graphic Design Department at the Royal Academy of Art in The Hague. With his collective High on Type, he organised Letter and Calligraphy festivals from 2016 to 2019 . With the team, he travels around giving exhibitions, (writing) performances and workshops that test the boundaries of what writing and letters are.

• EDUCATION: Utrecht Academy of Arts, Bachelor Graphic Design 2007-2011. 

• WORK EXPERIENCE PAST: Co-Founder Kapitaal, May 2012-March 2015. Founder at Vormplatform, from 2010 to 2019. Teacher in Typography at the ArtEZ Institute of the Arts, Zwolle, 2013-2020. Teacher in Typography at the Hogeschool voor de Kunsten, Utrecht, since 2014-2021. Independent Designer, Utrecht, 2010-2017. 

• WORK EXPERIENCE PRESENT: Independent Artist, Utrecht, since 2016. Teacher in Letters at the Royal Academy of Arts, The Hague, since 2017. Founder at High on Type, since 2013. 

• MUSEUMS EXHIBITED: Kröller-Müller Museum, Kunstmuseum / GEM Den Haag, Wereldmuseum Rotterdam, Z33 House for Contemporary Art Hasselt, STRAAT Museum Amsterdam, Kunstlinie Almere Flevoland, HEM Zaandam, Stedelijk Museum Schiedam. 

January 2024. Pablo Dalas. Gallery 54 Dunkerque.

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54XMAS2023

Exposition VARIATIONS du 20.11 au 3.12.2023

Contact : Nicolas Dondina. ndondina@muchimuchi.fr www.54dunkerque.com Horaires d'ouverture : du 20 novembre au 3 décembreDe 17h à 20h, fermé le dimanche et le mercredi.

La galerie présente pour la deuxième fois les œuvres de l'artiste Maria Chiara Re. Après avoir exposé ses sculptures en 2022, cette nouvelle résidence dévoile ses dessins. La série intitulée "VARIATIONS" se compose de neuf dessins de tailles moyennes et grandes, créés au stylo et au feutre, et directement inspirés par les textures du marbre. Fascinée par ce matériau, l'artiste établit un dialogue entre la robustesse, la délicatesse et la diversité des textures, depuis les carrières jusqu'aux blocs taillés.

Dans certaines traditions ésotériques, le marbre est associé à des qualités énergétiques, reconnu pour favoriser la clarté mentale et la méditation. Certaines croyances lui prêtent également des propriétés curatives, en soutenant sa capacité à absorber les énergies négatives et à promouvoir le bien-être.

Les dessins de Maria dégagent une vivacité saisissante et seront exposés du 20 novembre au 3 décembre au 54 Dunkerque, 75009 Paris. C'est une occasion à ne pas manquer pour découvrir cette exploration artistique captivante.

Née à Milan le 08/04/1998, Maria a débuté son parcours artistique à l’école d’art du Liceo Artistico L. Fontana di Arese à Milan, où elle a obtenu son diplôme d'Art Figuratif en 2017. Elle a ensuite poursuivi ses études à l'Académie des Beaux-Arts de Carrare, décrochant son diplôme académique de niveau I en 2021, spécialisé en sculpture et avec mention.

Pendant sa résidence à Carrare, Maria a approfondi sa technique sur le marbre et la pierre dure. Ses compétences et ses intérêts variés s'étendent de la modélisation 3D aux explorations anthropologiques, culturelles et psychosociales.

De 2019 à 2021, elle a intégré l'atelier d'art "Ponte di Ferro" à Carrare, une association artistique où elle a eu l'occasion de travailler sur des projets personnels et de collaborer avec des artistes aux horizons divers. Cette période a donné naissance à des collaborations fructueuses, notamment avec Marco Petrasch pour la création de l'œuvre "OVO II". Maria a également fait partie du collectif 31, fondé à Carrare en 2018.

Actuellement, Maria se concentre sur des études sur papier de formats petit et moyen, adoptant une approche graphique pour explorer son sujet de prédilection : le marbre.

The gallery is once again hosting the works of artist Maria Chiara Re for the second time. After showcasing her sculptures in 2022, this residency presents her drawings. The VARIATION series comprises nine large-format pen drawings inspired by the texture of marble. Fascinated by this material, the artist engages in a dialogue between robustness, finesse, and the diversity of textures, from quarries to carved blocks. In certain esoteric beliefs, marble is associated with energetic qualities, known for fostering mental clarity and meditation. Some also attribute healing properties to it, claiming its ability to absorb negative energies and promote well-being. Maria's drawings exude a tangible liveliness to discover from November 20th to December 3rd at 54 Dunkerque 75009 Paris.

These variations give rise to a new aesthetic in this video, still mainly theoretical and almost impossible to produce physically, but which will come to life in the near future.

Oneiric project I Prompt AI book I Back to work journal

Exhibition completed. The advent of generative art at 54 Dunkerque.

The Oneiric Project. Closed on Wednesday and Sunday. Located at 54 Rue de Dunkerque, 75009 Paris.

L'exposition Oneiric Project vous convie à un à tour d’horizon sur des créations issues de l'intelligence artificielle et de leurs créateurs. Elle offre également l'opportunité d'entamer une réflexion approfondie sur les implications de cette technologie innovante. Des thèmes tels que le droit à l'image, la fiabilité de l'information, la démocratisation de la création, la transformation des métiers traditionnels liés à l'image, le rôle des NFT (Tokens Non Fungibles), ainsi que de nombreux autres sujets connexes à l'univers de l'image sont abordés.

The Oneiric Project" invites you to take a comprehensive look at photo and video creations generated by artificial intelligence and their creators. It also provides an opportunity to initiate in-depth reflection on the implications of this new technology. Themes such as the right to image, the reliability of information, the democratization of creation, the transformation of traditional image-related professions, the role of NFTs (Non-Fungible Tokens), knowledge outsourcing through Chat GPT, and many other topics related to the world of imagery and information are addressed.

Informations hello@54dunkerque.com.

Back to work journal 2023. Edition of 50 copies.

The emergence of Artificial Intelligence (AI) in the field of art marks an unprecedented and revolutionary advancement, disrupting the very notion of art for future generations. Artists, painters, stylists, designers, photographers, and more now have to coexist with this intelligent and artificial creation, giving rise to a new artistic movement that emerges as a captivating and surprising neo-surrealism, fueled by the symbolic power of its images.

This both fascinating and frightening technology evokes mixed reactions. Indeed, the art world, where the artist's talent is the driving force of expression, is now threatened by seemingly limitless algorithms. Concerns are legitimate regarding the possibility of AI overshadowing human creativity and relegating artists to the background.

The creation process involves an interaction with software such as Midjourney, initiated by the command "/imagine". The prompt, consisting of standardized instructions, generates an image by selecting various effects such as angle, light, texture, photographic style, and inspiration. The AI, acting as a dialogue box, then produces a series of 4 images that the author can subsequently correct, enlarge, and retouch.

It is imperative that the art world maintains a critical approach to this evolution. This technology must remain subject to human thought control to avoid any artistic deviation. It is necessary not to perceive this new medium as a threat to traditional art but rather as a powerful tool for contemporary artistic expression that should not escape the expert gaze of art professionals.

In this new artistic ecosystem, the relationship between the artist and artificial intelligence is a complex and stimulating alliance. Artists, also referred to as authors, can now harness the unique capabilities of AI to transcend the limits of their own imagination, creating works that would have never been otherwise conceivable. The collaboration between humans and machines creates an unprecedented artistic dialogue, where human creativity feeds on the infinite possibilities of artificial intelligence.

Despite technological advancements, the essence of art remains rooted in human experience and emotion. This tool can produce aesthetically impressive works, but it cannot claim the same conceptual depth and richness of meaning as art created by the human mind.

The interaction between the artist and algorithms undoubtedly opens up new creative perspectives, which is why we have decided to showcase a selection of iconographic images and videos created by five artists: Tinbrain, Bunty_AI, Bengt Tibert, Frenchfryearrings, dissociative_dreams, Jess MacCormack and lemoon.synthography. These artists, who are active on Instagram and hail from different corners of the world, stand out for their unique styles. Upon examining the presented images, one can observe an evident creative limitation that results in a certain uniformity in their creations. This homogeneity seems to overlook the artists' cultural backgrounds, which often have a significant influence in traditional art. However, despite these similar aesthetic characteristics, it is interesting to note the emergence of distinct poetic registers specific to each artist through their publications.

The reception of these creations evokes similar critiques to those encountered during the emergence of electronic music genre "Techno" in its time, where doubts and suspicions were present. However, by paying special attention to these images and disregarding the tool used and issues of intellectual property, we discover a magnificent source of inspiration.

The images presented by these artists reveal a surprising artistic potential. The use of AI offers an endless palette of creative possibilities, allowing for the exploration of new expressive territories.

The Oneiric AI exhibition will showcase prints and videos at the gallery located at 54 Dunkerque Street. It will take place from Monday, May 22nd, to Friday, May 26th, and then from September 5th to September 30th. A dedicated book featuring these creations will also be presented during the exhibition.

La galerie présente une nouvelle exposition mettant en vedette des tirages de la série THE AMERIGUNS réalisée par Gabriele Galimberti, ainsi que des photos prises par Samuel Lugassy dans la campagne lituanienne au printemps 2010, capturant "les Lituaniens de la terre". Les deux photographes ont des approches contemporaines du portrait, mais qui sont radicalement différentes dans leur traitement du sujet. Galimberti privilégie l'outrance et les mises en scène sophistiquées, tandis que Lugassy opte pour une sobriété sans équivoque. Le résultat donne deux styles d'écriture distincts et incroyablement efficaces.

Le portrait dans la photographie du 21e siècle a connu de nombreux changements en raison de l'évolution rapide des technologies et de la culture visuelle. Les photographes ont aujourd'hui à leur disposition des équipements plus sophistiqués et des logiciels de traitement d'image plus avancés, leur permettant d'explorer de nouvelles formes d'expression artistique. Dans le passé, les portraits photographiques étaient souvent réalisés dans des studios et étaient destinés à représenter les sujets de manière très formelle. Aujourd'hui, les portraits sont beaucoup plus variés et peuvent être réalisés dans des environnements plus naturels ou urbains. Les photographes cherchent souvent à capturer l'essence de leurs sujets de manière plus spontanée et authentique, en utilisant des techniques telles que le flou artistique, la mise au point sélective et la manipulation numérique.

Les portraits peuvent également être utilisés pour raconter une histoire ou véhiculer un message. Les photographes peuvent utiliser des portraits pour documenter des personnes qui représentent une communauté ou une cause spécifique, ou pour sensibiliser à des questions sociales ou environnementales importantes.

En outre, les portraits photographiques peuvent maintenant être partagés plus facilement sur les médias sociaux et les plateformes en ligne, permettant aux photographes de toucher un public plus large et de se connecter avec des personnes du monde entier.

En résumé, le portrait dans la photographie du 21e siècle est plus varié, plus spontané et plus facilement accessible que jamais. Les photographes ont la possibilité de capturer l'essence de leurs sujets de manière plus authentique.

54XMASX

SEBASTIEN TOUACHE, JUCE GRACE, PABLO DALAS, LE DIAMANTAIRE

Art toys, pins, dessins et peintures, risographies, la galerie 54 Dunkerque s’adressait aux amateurs de street art en présentant des projets décoratifs.

THE AMERIGUNS

Exposition ouverte gratuitement au public jusqu’au 14 décembre 2022

BOX SET 2022 EDITION. 5 RANDOM PICTURES THE AMERIGUNS SERIES.

WHITE BOX SET 2023 EDITION — 5 PREDEFINED PHOTOS FROM THE AMERIGUNS SERIES.

Pendant plus de deux ans, Gabriele Galimberti a mené une enquête visuelle sur la culture des armes aux États-Unis, guidé alors par une unique obsession : traduire en images ce sujet de société. Inscrit comme un droit fondamental, au cœur même de la constitution, le port d’armes s’ancre ainsi dans tous les aspects de la vie américaine, jusqu’à parfois se fondre dans ses plus vives valeurs que sont la famille, la liberté. Par leur large effectif numérique (400 millions), les armes dépassent en effet le nombre auquel s’élève la population (338 millions). Les images de Galimberti renseignent et informent de cet état, révélant alors les pans inattendus de l’Amérique qui aime les armes. 

Parcourant les États-Unis, le photographe est ainsi parti à la rencontre d’hommes, de femmes, de familles, avec lesquelles il a noué contact via les réseaux sociaux et Instagram. De ces détenteurs d’armes, il en a dressé une série de portraits, tous réalisés dans leur cadre de vie, dans leur intimité. 

Une vision générique, presque typologique, découle de sa pratique portraitiste car ne s’arrêtant jamais à l’évidence primaire d’une simple confrontation, le photographe effectue ainsi une prise de vue méthodique, frontale et distanciée, conférant alors aux images une dimension à la fois artistique et documentaire dont il est possible d’en tirer un inventaire objectif. Réalisées suivant un protocole parfaitement réglé, ces photographies ne sont jamais spontanées tant elles articulent un rythme exempt de toute mobilité. Toute trace de naturel a soigneusement été gommée. 

Ses photographies s’apparentent à de sages portraits posés. Les familles arborent alors une expression franche, pourrait-on dire de vainqueur, où ne saurait se lire ni le désespoir, ni la peur. Elles figurent entourées de leur collection d’armes à feu dont elles tirent fierté et contentement. Ici, Galimberti cultive un goût pour la géométrie. La composition de ses images privilégie ainsi les espaces savamment organisés, parfois presque cloisonnés, où l’agencement des lignes et l’équilibre des masses confèrent à l’ensemble une teneur graphique. Au sein de ces habitations devenues écrin, les armes sont déposées, disposées en cercle ou en étoile, voire proprement alignées : toujours méticuleusement agencées, elles se fondent dans le tissu sensible de ces environnements familiers. Paraissant inoffensives, les armes s’apparentent alors à de véritables jouets. Et dans ces espaces domestiques dont elles semblent solidaires, elles révèlent ainsi pleinement valeurs et idéaux de leurs propriétaires. Sans basculer dans un maniérisme cinématographique, le modelage de la lumière - toujours artificielle - augmente la portée dramaturgique de l’image.

Pleines de retenue, ces photographies se tiennent alors loin de tout sensationnisme : ici, la violence demeure latente, car fusils et revolvers prétendent moins dire l’armement qu’en évoquer l’indicible existence, n’en gardant que la charge expressive comprimée. Sans jamais sacrifier la valeur esthétique de ses images, Galimberti pointe ainsi les écarts, les paradoxes. Mais aussi une passion triste: celle d’une American way of life.

Maud de la Forterie.

Bidendum

Disponible ici

Matrice

Catalogue

Né à Milan le 08/04/1998. 

Inscrite à l’école d’art du  Liceo Artistico L. Fontana di Arese à milan Maria  obtient un diplôme d'Art Figuratif en 2017. La même année, elle poursuit ses études à l'Académie des Beaux-Arts de Carrare et obtient le diplôme académique de niveau I en 2021, avec mention en sculpture.

Au cours de sa résidence à Carrare, elle développe sa technique sur le support du marbre et de la pierre dure. Un éventail de compétences et d'intérêts multidisciplinaires qui vont de la modélisation 3D aux investigations anthropologiques, culturelles et psychosociales.

De 2019 à 2021, elle rentre dans l'atelier d'art "Ponte di Ferro" à Carrare. Une association entre artistes où elle a l'opportunité de travailler sur des projets plus personnel et aussi d’entrer en contact avec des artistes d'horizons différents. Dans ce contexte sont nées des collaborations, comme celle avec Marco Petrasch qui a conduit à la création de l'œuvre "OVO II". Pendant la même période, Maria fait partie du collectif 31, né à Carrare en 2018. 

HOyoung joo, Karlexander

exposition Terminée

HOYOUNG JOO

Le designer Coréen, présente en collaboration avec le 54 Dunkerque, un fauteuil sans vis ni clou avec une assise pouvant supporter un poids de 700 kg. Minimaliste et pratique, il est équipé d’une poignée au dos et devient son propre emballage une fois les planches démontées et sanglées. Initialement conçu avec un bois de recyclage OSB, nous proposons de l’éditer dans différentes couleurs.

Photos : Sergio de Rezende.

LE DIAMANTAIRE

Street artiste parisien, le sculpteur réalise ici une œuvre urbaine et sophistiquée. Bling Bling, ce panier de basket, orné de 62 miroirs, sublimé, perd sa valeur d’usage et devient symbolique. Deux approches antagoniques où l’objet, vecteur d’inspirations, pour le designer comme pour l’artiste, oppose les notions d’esthétisme et de fonctionnalité.

Commandes et informations : hello@54dunkerque.com

• Communiqué de presse Hoyoung Joo / Moodboard

• Communiqué de presse Le Diamantaire

MODE ET PHOTOGRAPHIE

Sergio de Rezende pour 22 Industry

Natália de Assis, Head Designer et consultante styliste pour le 54 Dunkerque lance une gamme de bijoux et d’accessoires originaux, 22 Industry. En réponse à cette première collection, Sergio de Rezende, photographie des modèles avec nonchalance. Une manière subtile de mettre en évidence ces créations subversives.

edition 54 X Vincent Olinet

En collaboration avec 54 Dunkerque, Vincent Olinet a créé un savon inspiré de ses sculptures Rouge. Cette première série, qui est limitée à 10 exemplaires, est maintenant disponible sur le site APOC-store.

Le Rouge Savon, qui présente des lignes verticales, réalistes et minimalistes, est inspiré des sculptures monumentales de rouge à lèvres créées par Vincent Olinet et installées sur des troncs d'arbres dans la nature. Cette œuvre éphémère combine deux symboles indissociables de la féminité et de la masculinité, présentés sous des aspects décoratifs ou fonctionnels.

Cet objet fragile peut être utilisé comme savon ordinaire ou exposé pour sa valeur esthétique et olfactive. Toutefois, son utilisation en tant que savon ordinaire peut également être considérée comme une image dégradée du temps qui passe, une désacralisation des sentiments et un comportement consumériste.

enceinte PIerre digonnet

edition 54 Dunkerque

Wifi/Bluetooth connection: The CS-115 Sound Canopy, produced by 54 Dunkerque and designed by Pierre Digonnet, is distinguished by its fluid geometry composed of one hundred and fifteen pigmented wood fragments, as well as the quality of its ultra-thin Amina Sound speakers. These are subtly integrated into the back of the structure. It can be rotated on its central axis to never tire the eye and can be controlled via wifi and Bluetooth from a smartphone to develop a power of 2X50 watts (or more upon request). Its dimensions give it a futuristic aesthetic with infinite color options (158.5 cm X 84 cm X 32 cm in bas-relief). The speaker is aimed at music lovers, decorators and interior architects and can be adapted to your favorite colors. Free entry and listening, or by appointment: hello@54dunkerque.com.

Pierre Digonnet

Exposition terminée.

LE 54 DUNKERQUE C’EST NOUVEAU DONC N’HÉSITEZ PAS À SUIVRE SUR INSTA ET FACEBOOK.

L'ébéniste plasticien Pierre Digonnet ouvre les portes de son univers artistique à Paris, au travers d'une exposition qui lui est entièrement dédiée.

Ce projet retracera son parcours à la croisée de la géométrie, de l'expérimentation chromatique et des arts- décoratifs.

Entre ciel et terre, le travail du bois s'érige alors avec la plus grande minutie et s'organise pour proposer au public des œuvres presque incantatoires.

Le FRAGMENT raisonne comme un écho intérieur chez Pierre Digonnet. Celui-ci guide ses explorations à toutes les échelles. Dans ce mouvement, l'artiste a créé des suspensions, des Ovolithes, des Quinconces, des Totems à découvrir du 8 janvier au 28 mars 2021 au 54DUNKERQUE.

Pierre Digonnet est né à Paris en 1984. C'est un enfant du design : après dix années de direction artistique, il se forme en ébénisterie auprès de Compagnons du Devoir. Depuis presque un an, il vit à Amiens avec sa femme céramiste au sein d'une maison-atelier. Des pièces de mobilier, des suspensions, des sculptures et des risographies inviteront chaque visiteur à devenir l'un des rouages de cet ensemble cinétique.

Site internet

54XMAS

Exposition terminée.

Direction artistique : Sergio de Rezende/Nicolas Dondina.

#NoelSansAmazon #PasEssentiel #PasEssentielMaisPeutEtreIndispensable #Culture #Artisanat #artdirection #peinture #illustrations #dessins Abonnez-vous

Pablo Dalas KNOCK! KNOCK !

Exposition terminée.

Pablo Dalas est né en France en 1990, il vit et travaille à Bruxelles. 

Fasciné par l’univers du cartoon des années 1920, Pablo puise ses sources d’inspirations dans le travail de Dave et Max Fleischer créateur de Popeye, Betty Boop… Un des rares studio d’animation à avoir survécu au cinéma muet. 

D’autres dessinateurs comme Robert Crumb créateur de Fritz le Cat’s et Ralph Bakshi animateur et réalisateur du long métrage du même nom lui donneront le goût pour la subversion. Car en effet, ce film d’animation culte détient deux records ! Il est le premier dessin animé américain à avoir été classé X et le second, à dépasser les 100 millions de recettes avec le statut de studio indépendant.

Les personnages cultes de Walt Disney (pluto, les sept nains), Tex Avery (le loup), Otto Messmer (Felix le chat) et les mascottes publicitaires, seront sa principale source d’inspiration. Il détourne les figures familières de son enfance pour dépeindre une société où règne la surabondance et l’excès.

Artiste aux multiples facettes, Pablo semble dépassé par ses personnages qui prennent vie sur différents supports. De la peau à la peinture murale, en passant par la céramique et le dessin animé. 

Pour cette exposition Knock! Knock!, l’artiste invitera le visiteur à entrer dans ses mondes absurdes et fascinants à la fois.

Des limbes dans lesquelles ses créatures sont condamnées à errer, oisives.

L'exposition rassemble une trentaine de dessins sur papier, une grande peinture murale, une installation vidéo et sonore, ainsi que des tirages en édition limités, numérotés et signés.

Instagram. En savoir plus Pablo Dalas.

SErgio de rezende

Mode et photographie

Blabla original.

ArtisteS, créateurS, Le lieu se loue depuis The Storefront. Partenaire agence/muchimuchiparis

Une journée au studio.